Entretien avec Mr. Savethewall

À l'occasion du nouveau projet The Spray Can Project de Mr. Savethewall, la galerie Deodato Arte a réalisé une entretien exclusif qui retrace le parcours créatif de l'artiste.

Pierpaolo Perretta, pseudonyme Mr. Savethewall, vous lancez enfin votre projet d'aérosols. Comment l'idée est-elle née et quelle est la signification de cette série d'œuvres ?

L'idée de The Spray Can Project est née à Los Angeles. Alors que je travaillais à une foire avec Deodato [Deodato Salafia, galeriste NDLR], j'ai eu l'occasion, pendant mon temps libre, de me promener dans les rues de Los Angeles à la recherche d'art urbain et, en général, d'inspiration et de curiosité.

Il existe des zones à Los Angeles, notamment sur Melrose Avenue, où l'on peut trouver de nombreuses œuvres de street art, mais il s'agit presque toujours de figures très connues dans le monde de l'art urbain. Après l'impact initial de la vue des œuvres des grands Obey, Mr. Brainwash, HIJACK, Alec Monopoly et ainsi de suite, ce qui m'a le plus frappé, c'est autre chose. Il y a une constante dans toute la ville qui m'a amené à une profonde réflexion sur la naissance, la nature et l'authenticité de l'art urbain : le sticker. L'autocollant est très personnel, différent d'un artiste à l'autre, identifiant un artiste, même s'il n'est pas forcément célèbre.

J'ai remarqué que certaines se répétaient tout en restant très variées. Il y en avait de toutes les tailles, des petits autocollants aux véritables affiches. Les techniques variaient également, du fait main sur papier à l'impression. Un artiste urbain avec ses autocollants devient reconnaissable, acquiert une identité. Et chaque autocollant transmet un message différent, tout comme l'art urbain dans son ensemble. Le sticker est l'outil parfait pour laisser un message politique, où politique ne signifie pas gauche ou droite, mais quelque chose qui fait réfléchir.

À Los Angeles, les autocollants sont le dénominateur commun à tous les coins de rue, dans toutes les rues. Il y a des quartiers comme Melrose Avenue où les murs sont pleins, il y a des quartiers où il faut aller les déterrer et quand on les trouve, c'est un plaisir. Ils vous disent quelque chose sur cet artiste. Il y en a tellement qui n'ont même pas de hashtag, de compte Instagram. Ils n'ont rien. Si une personne qui ne cherche pas à faire du profit décide de dessiner quelque chose et d'aller le coller, pourquoi le fait-elle ? Il le fait à cause d'une urgence, parce que quoi qu'il arrive, il doit laisser un geste de son existence et de sa pensée.

Je trouve que les autocollants sont un outil très puissant de l'art urbain. Pour moi, les outils de l'art urbain sont les bombes aérosols et les autocollants. J'ai choisi de rendre hommage à ces deux outils dans mon très personnel Spray Can Project. L'autocollant réinterprète, à travers ma grenouille, des personnages importants qui ont laissé leur empreinte. Il y a Michael Jordan, la Madonne, Banksy, la Reine Elizabeth et bien d'autres. Si les bombes aérosols sont mon œuvre, elles sont la couleur. J'ai décidé de combiner les bombes aérosols et les autocollants pour laisser mon message et rendre hommage à l'essence de l'art urbain.

L'outil devient-il une œuvre d'art ?

C'est exact. Mais, bien souvent, nous ne réalisons pas que ce n'est pas l'outil qui fait l'artiste. Utiliser le pochoir, par exemple, ce n'est pas imiter Banksy. De la même manière, vous pouvez avoir les mêmes peintures à l'huile que Picasso, mais cela ne fait pas de vous Picasso. L'outil est à la disposition de tous, mais le résultat n'est pas le même. L'autocollant, le pochoir et la bombe aérosol sont les outils, mais le résultat dépend de celui qui les utilise.

Chaque boîte est unique, elle n'est pas produite en série. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce choix ?

Chaque boîte est unique parce que chacune est différente. Elles sont imprimées en couleur, elles sont sales, elles sont cabossées. J'aime l'imperfection de l'œuvre d'art, pour moi plus l'œuvre est imparfaite plus elle vous fait réaliser que nous sommes perfectibles, que nous pouvons faire des erreurs et que surtout dans les erreurs nous sommes authentiques. 

Chacun de nous a tendance à s'améliorer de plus en plus, mais ce n'est que lorsque le résultat final n'est pas "parfait" qu'il y a authenticité. Même une machine peut créer la perfection, mais il y a une différence si je la fais à la main ou si je l'imprime. J'aime quand je découvre dans mes œuvres une empreinte digitale, une coulure. C'est dans l'imperfection que je trouve l'authenticité de mon œuvre.

La variété des stickers sur les bombe aérosols reflète mon travail et ma recherche artistique. Le sujet est toujours ma grenouille [protagoniste de la série "Kiss Me" Ed] qui raconte comment en chacun de nous il pourrait y avoir Elvis Presley, il pourrait y avoir la reine d'Angleterre, il pourrait y avoir Batman, il pourrait y avoir Michael Jordan. Il y a en nous un potentiel incroyable, nous nous voyons tous pareils, tous standardisés, et au contraire nous sommes tous différents, avec nos mérites et nos défauts. La grenouille, fil rouge du projet, prend à chaque fois un nouveau déguisement. Il est agréable de voir comment chacun s'inspire de quelqu'un.

La décision d'utiliser mes bombes aérosols usagées apporte également des facteurs intéressants du point de vue de la collection. J'utilise beaucoup plus de boîtes de conserve noires, turquoise et vertes. Ce sont les couleurs de mes œuvres, et cela permet d'associer un certain type de boîte à un certain type d'œuvre. Je peux associer un ensemble de boîtes de conserve à la toile que j'ai réalisée avec elles.

Les boîtes sont également en nombre limité car j'utilise environ 3 à 400 bidons par an. Elles ne sont pas infinies et certaines couleurs (comme l'or, l'argent) sont beaucoup plus rares parce que je les utilise moins.

Les boîtes de conserve que vous utilisez pour vos œuvres acquièrent une seconde vie. Cela me semble être une question très actuelle et en accord avec votre poétique.....

Je suis très heureux à l'idée qu'ils ne soient pas jetés. J'ai décidé d'accompagner la bombe de la devise "Can you save the spray can ?" qui, en plus de pouvoir être lue à l'infini [la phrase commence et finit par "can", créant une boucle Ed], est emblématique de ma poétique. C'est comme dire "Can you save the wall ?" ou, pourquoi pas, "Can you save the planet ?".

De l'inspiration aux autocollants en passant par le bombardement, dans ce projet, vous vous penchez davantage sur le côté souterrain et urbain du street-art.

Absolument.

Face à la façon dont le street art est aujourd'hui modifié, "The Spray Can Project" donne un message fort.

En tant que Post street artiste, mon idée représente une évolution. Au moment où l'art urbain est devenu célèbre, nous avons finalement réalisé que le seul mouvement mondial des années 2000 qui peut être reconnu comme tel est précisément l'art urbain. Au moment où il est consacré par le système artistique, peut-être l'aspect le plus underground est perdu. 

L’autocollant m'a frappé précisément parce que je l'ai trouvé authentique. Dans sa fragmentation, dans sa grande diversification : on reconnaît ce qui est le plus capable d'être présent. Et les stickers évoluent, certains mettent un hashtag, d'autres un QRcode. Le potentiel est énorme.

J'ai le sentiment que le projet qui prend vie m'identifie et raconte quelque chose sur moi, sur mon travail et sur l'expérience importante que j'ai vécue à Los Angeles.