Entretien avec Daniele Fortuna

À l'occasion de l'exposition Pop Classicisme, la galerie Deodato Arte a réalisé une entrevue exclusive pour le catalogue officiel, qui suit le parcours créatif de l'artiste Daniele Fortuna.

Après vos études de design et une expérience à l'étranger, vous vous êtes rapproché du monde de l'art jusqu'à devenir sculpteur et artiste à part entière. Comment et quand cette passion est-elle née et qu'est-ce qui vous a amené à poursuivre une carrière d'artiste ?

Je travaillais dans un studio de conception de luminaires près de Dublin. Ils avaient des commandes de designers italiens et je travaillais dans la décoration intérieure. Ensuite, je suis revenu en Italie et j'ai commencé à travailler dans un studio d'architecture, mais cela n'a duré que peu de temps. Je suis quelqu'un qui a besoin d'harmonie, mais là, j'ai trouvé un environnement hostile, tout était trop lourd pour moi. J'ai donc décidé d'abandonner l'architecture et de ne plus suivre cette voie, car je n'aimais pas cette approche.

Depuis l'université, j'avais l'habitude d'être très créatif : pendant mes études à l'IED (Institut européen de design), nous avons tous créé des projets. S'ils avaient été finalisés, ces derniers auraient coûté des millions et des millions d'euros à construire. Ceci m'a vraiment permis de libérer ma créativité. Mais en réalité, les choses n'étaient pas si faciles : il y avait peu de créativité et beaucoup de calculs, de mesures et de choses que je n'aimais pas.

J'ai traversé une grosse crise parce que je ne savais pas quoi faire de ma vie. J'ai grandi dans un environnement qui a toujours aimé l'art, j'ai toujours été attiré par l'art et j'ai toujours vécu avec des artistes autour de moi. Dans les années 80, mon père connaissait d'importants galeristes à Milan, comme Brindisi, Migneco et Cascella. Dès mon enfance, j'étais attiré par le monde de l'art et j'ai toujours fréquenté les expositions, les foires et les galeries. Puis, la vie m'a évidemment ramené dans le monde de l'art. Un de mes amis, lui-même artiste, a vu en moi une personne fortement créative et m'a suggéré d'essayer de faire quelque chose à mon compte. J'ai adoré dès le début, car je pouvais créer tout ce que j'avais en tête avec mes peintures.

Travailliez-vous déjà avec le bois ?

Oui, je travaillais déjà le bois. Je dessinais, je découpais, puis j'assemblais, mais on m'a inévitablement associé à Ugo Nespolo, même si son art a toujours été plus fragmenté. Je me suis heurté à un marché où les gens appréciaient vraiment ce que je faisais, mais ne pouvaient pas reconnaître un de mes langages. Cela m'a attristé car je ne voulais être associé à personne, je voulais juste être reconnu. Dès mon plus jeune âge, les enseignants m'appelaient par mon prénom, je n'ai jamais été un numéro.

Comme je voulais laisser une trace, j'ai décidé de recommencer mais cette fois-ci avec quelque chose que je savais faire. J'ai donc poursuivi mes recherches sur le bois, un matériau que je connaissais et que je pouvais facilement couper et façonner dans mes tableaux. J'ai vu que la superposition du bois créait du volume et j'ai commencé à faire les premières petites formes. C'était quelque chose de nouveau pour moi, mais j'ai remarqué qu'à partir de ce moment (2011) les galeries ont commencé à s'intéresser à moi sans associer mon nom à un autre artiste, et cela m'a poussé à continuer dans cette direction. C'est ainsi que je suis arrivé au style néoclassique et classique. Je me suis heurté à un public qui aimait l'art du Caravage et de Canova, j'ai réalisé qu'il était inutile d'essayer d'imposer mon idée. Je voulais faire quelque chose de commun à notre culture, quelque chose que nous n'apprécions même pas tant que ça. Je voulais le rendre plus contemporain afin de le rendre plus accessible et populaire aujourd'hui. Je voulais réduire la distance qui nous sépare de l'art "sacré" et, dans un certain sens, intangible et inaccessible.

J'ai remarqué que le sujet classique est désormais un élément commun, tant chez les artistes que dans le design et la mode. C'est un chemin que je suivais depuis un certain temps, ayant commencé à travailler sur des sujets classiques en 2011-12, ressentant déjà le besoin de ramener ce type de sculpture à notre époque.

Ce n'était pas une rupture avec la tradition, vous avez essayé de la protéger.

Exactement, parce que si je cherche une rupture, je créerai toujours une distance. Ce que je cherche, ce n'est pas une distance mais à poursuivre un chemin, à continuer quelque chose qui fait partie de nous. J'ai toujours aimé l'histoire, ainsi que la mythologie. Mon genre préféré est le fantastique et je suis attirée par tout ce qui me fait fuir. En général, j'essaie toujours de m'évader parce que la réalité ne me satisfait pas. On peut toujours s'échapper dans d'autres mondes et cela ne signifie pas se dissocier, mais juste recharger ses batteries, parce que la vie est suffisamment pesante et stressante.

S'agit-il d'un processus très personnel ?

Oui, je veux toujours exprimer quelque chose avec mes œuvres. Je ne fais pas une œuvre pour elle-même : il y a toujours une signification dans ce que je fais.

Par-dessus tout, j'aime me déplacer en créant de nombreux langages. La série Colormination est un langage, Heads will roll est un langage et ce que je fais maintenant est un autre type de langage. Même avec des messages différents, ils font tous partie d'un chemin commun. Je ne serais pas capable de faire quelque chose de répétitif, je dois toujours me renouveler, détruire pour reconstruire et créer de nouvelles structures, en gardant la technique qui m'appartient.

La série Colormination est composée de sculptures qui présentent des gouffres dans lesquels s'ouvre un univers de couleurs. Quelle est la signification de cette série ?

Colormination ("couleur" + "contamination") définit ce qui se passe à l'intérieur des sculptures et apporte différents concepts. Si nous devions fendre une sculpture en marbre blanc, nous trouverions à l'intérieur toutes les couleurs que le marbre sculpté n'a plus. Mais la colormination représente aussi les différentes facettes que nous avons en tant que personnes. Toutes ces couleurs représentent nos multiples aspects, elles font partie de nous et créent la grande image, la beauté de notre vie.

La série Thologiny semble presque être un alphabet de votre art, que signifie ce mot ?

"Thologiny" vient de "mythologie". Ce sont de petits totems généralement liés à des mots, et chacun d'eux a quelque chose à dire. Les thologinies vous alertent sur quelque chose d'important dans la vie et le fait de les associer à des mots ou à d'autres éléments rend la sculpture vivante, comme si elle voulait nous dire quelque chose.

Quelles ont été vos sources d'inspiration parmi les artistes contemporains de votre génération ou des générations précédentes ?

Elles ont été nombreuses. Je pense et j'espère que ce n'est pas une surprise que nous, les artistes, sommes toujours contaminés par d'autres artistes. L'original n'existe pas, les artistes copient ou sont influencés par d'autres artistes. Il y a toujours une inspiration et l'originalité consiste à s'approprier ce langage. Il est important d'être contaminé par tout ce qui nous entoure, en allant du passé au présent.

Par exemple, j'aime beaucoup Ugo Rondinone et ses rochers qui se chevauchent. Dans certaines de mes œuvres (par exemple la série Heads will roll), ces rochers deviennent des têtes et créent des compositions.

Il y a aussi le Pop Art qui m’a beaucoup influencé, dont Andy Warhol surtout.

Je travaille actuellement sur un projet fortement inspiré par Alighiero Boetti. J'aime la façon dont il joue avec les lettres et les mots. Je me souviens que j'essayais toujours de comprendre ce que ses œuvres disaient, je le trouvais fascinant. Dans mon projet, j'essaie d'amener Boetti dans la tridimensionnalité.

Alors oui, pour moi, il est très important de voir ce que font les autres artistes et surtout les contemporains. Je peux m'en inspirer pour mon langage classique, un langage que je ne veux pas perdre parce que je le sens vraiment mien.

L'une des choses les plus évidentes dans votre art est l'opposition entre l'esthétique classique et l'esthétique Pop, mais il semble que ces opposés (apparents) puissent coexister et le fassent très bien.

Nous pensons généralement que si quelque chose est fait d'une certaine manière, il ne peut pas changer, mais en fait, il faut toujours chercher un point de rencontre. Les statues classiques n'étaient pas réellement blanches, mais colorées. Elles étaient aussi faites pour représenter un dieu ou un athlète et elles avaient leur propre histoire. Puis le passage du temps les a modifiées, jusqu'à ce qu'elles nous arrivent en partie détruites, sans certaines parties, et c'est une autre facette de l'histoire. Je trouve fascinant que la même sculpture ait des histoires parallèles, l'une dictée par le personnage représenté et l'autre par ce que la statue elle-même a vécu. Je me demande aussi à quoi ressemblera ma sculpture dans 100 ou 200 ans, comment le temps la modifiera.

Un autre contraste concerne la réalisation technique de vos œuvres. Elles ressemblent à des productions numériques, mais en réalité votre technique est purement artisanale.

Nous disposons de la technologie comme quelque chose qui nous permet de créer quelque chose très rapidement. Par contre, pour moi, il est important de prendre le temps de créer afin de pouvoir y mettre un certain état d'esprit. Les gens pensent généralement que mes sculptures ont l'air d'avoir été imprimées en 3D, mais quand ils ont l’occasion de les voir en vrai, alors ils se rendent compte que c’est un travail complexe et artisanal. Je préfère que les gens soient étonnés après les avoir vues en réalité que préalablement.

C'est une ambiguïté intéressante.

Elle reflète ce que je suis en tant que personne. Je suis quelqu'un qui est jugé de manière superficielle. Puis les gens apprennent à me connaître et à connaître mon univers et ils sont capables de changer leur jugement. À mon avis, c'est bien mieux ainsi que de faire semblant d'être ce que l'on est vraiment. Lorsque je parle à quelqu'un et que je commence à découvrir quel genre de personne il est, je le réévalue, je vais en profondeur. Penser que vous connaissez déjà une personne est arrogant et vous empêche d'être contaminé par la personne en face de vous.

En termes de processus créatif, comment créez-vous vos œuvres ?

Pendant la journée, je suis vraiment occupé avec tellement de choses que le seul moment où je peux me concentrer, c'est quand je suis au lit. Dans le noir, avec la lumière éteinte, ma tête commence à voyager. Je commence à rassembler les morceaux de ce qui m'a intéressé pendant la journée. La nuit, j'ai le temps de réfléchir et de trouver l'inspiration pour ce que je veux faire. Je pense que l'inspiration doit venir naturellement, sans effort. Lorsque j'ai quelque chose en tête, je peux déjà l'imaginer et le réaliser. Je n'ai jamais eu une vision qui, une fois créée, s'est avérée différente de ce que j'avais pensé. C'est toujours un processus très cohérent, de la pensée à la création.

Mais la réalisation est un processus plus technique.

J'ai une formation en architecture et j'ai donc toujours travaillé à partir d'un plan ou de projections orthogonales. À partir de là, on arrive à la troisième dimension. Lorsque je crée des formes, je les travaille en ajoutant les éléments les plus faciles à réaliser. Je pars de la forme même pour creuser l'œuvre, puis j'enlève une pièce à la fois jusqu'à ce que l'excavation soit faite. Ensuite, j'ajoute la cémentite et enfin la couleur.

Je ne réfléchis pas beaucoup aux couleurs, je suis généralement impulsif à ce sujet. Mais lorsque la sculpture est terminée, je peux me décider sur la couleur que je veux lui donner. Il y a de grandes différences entre mes premières sculptures et les plus récentes, elles ont changé en même temps que mes goûts. En ce moment, j'utilise des couleurs plus délicates parce que je les trouve plus adaptées à ce que je ressens, mais peut-être qu'un jour je reviendrai aux couleurs vives. Tout cela fait partie de ce que je ressens mentalement et en termes de goût. J'espère surtout que dans quelques années, je ferai des choses différentes de ce que je fais maintenant, car j'aime évoluer. Cela n'a pas de sens de dire "je suis né comme ça", car on peut toujours changer. Pour moi, c'est la même chose avec l'art : si je m'améliore, ce que je fais s'améliore.

Votre vie personnelle influence-t-elle votre art ?

Absolument. Je ne dis pas qu'il faut souffrir, mais en fait, toute souffrance entraîne un changement. J'ai vu des gens qui ont eu des malheurs dans la vie et qui sont maintenant pires qu'avant. C'est ce que je considère comme une défaite. La solution gagnante est d'être actif afin de s'améliorer. Si vous avez un objectif, si vous allez jusqu'au bout, tôt ou tard, la vie vous le rendra. Bien sûr, il faut toujours être honnête, juste et respecter les autres. Beaucoup de gens ne m'ont pas respecté, mais cela ne veut pas dire que je ne dois pas respecter les autres.